PLAIDOYER POUR L'IMAGE

Faut-il se tourner vers l'Art du passé ?

"What is art ? Can it exist by ignoring the legacy from the past?"

 Vive la peinture et la contestation ! L'achat d'oeuvres essentiellement conceptuelles par les institutions françaises permet à une poignée d'artistes de ne se consacrer qu'à leur art. Pour d'autres, plus nombreux, une représentation imagée et traditionnelle de l'environnement constitue l'assurance d'un gain plus ou moins régulier. Toutefois et malgré ces positions opposées, la plupart des artistes souhaitent que leurs oeuvres soient exposées, reconnues et si possible rémunérées...
D'un XXème siècle riche en diversités, les institutions et l'histoire de l'art ne retiennent et ne mettent en exergue que les formes d'expression plastique dont l'objectif consiste principalement :
- soit à se manifester sur un mode sommaire et iconoclaste, sous prétexte de réalisation novatrice
- soit à retrouver la source primitive et instinctive de l'acte créateur...

Institutions and the history of art only retain from the rich diversities of 20th century art forms such works as are mainly concerned with two objectives : Drawing attention in a crude and iconoclastic fashion or retracing the path to the primeval and instinctive act of creation.

Face à l'innovation critère d'absolu, face à la mise en scène banalisée de l'objet, face au multimédia institutionnalisé, l'oeuvre narrative et peinte, comportant de surcroît des référents clairement affichés, renvoie immanquablement aux questions fondamentales : Qu'est-ce que l'art et celui-ci existe-t-il en dehors de l'art d'autrefois ?

Challenged by the conundrum of innovation - a criterion of absolute - confronted with the commonplace display of objects, faced with multimedia forms of expression, the narrative and painted work inevitably raises fundamental questions : What is art? To what extent can it exist and establish itself by disregarding the past? …

L'image peinte entend précisément souligner que la Figuration contemporaine, après un siècle qui a surtout cherché à s'en affranchir, offre toujours, à défaut de révolution technique, une source de sens et de grande diversité.

…It means to prove that figurative art, in its diversity, can still be a source of inspiration in spite of all the efforts that have been made over the past century to turn away from it.

Situation, décor et encadrement virtuels de peintures à l'huile sur toile, toutes exécutées entre 1972 et 1999. 

https://marc-verat.blogspot.com/2025/03/peintures-marc-verat-huile-sur-toile.html

Marc Vérat, tribute Alma-Tadema

Publié par education-programme 4 Septembre 2025 à 09:33 AM

Eloge de l'Image

La domination économique et culturelle des États-Unis sur le monde occidental reconnaît et promeut surtout une forme de création contemporaine reposant sur le concept, appuyée par un maillage étendu de réseaux, quelquefois d'ailleurs soutenus complaisamment par des États comme en France.

L'art contemporain part du postulat communément entretenu que celui-ci fait partie du domaine de l'Art, ce qui manifestement n'est pas toujours le cas. L'art contemporain reste un spectacle des plus marginal qui intéresse peu ou même pas du tout le public. Mais pour quelques rares personnes qui possèdent de l’argent à profusion, et qui en conséquence ont déjà tout, y compris une emprise sur les médias, cette forme d'art peut toujours représenter un moyen de se distinguer, de soigner sa vanité.

Souvenons-nous de la « tulipomanie », ce nom donné au soudain engouement pour les tulipes dans le nord des Provinces-Unies, au milieu du XVIIème siècle, qui entraîna l'augmentation démesurée puis l'effondrement des cours de l’oignon de tulipe. Qu'en reste-t-il aujourd'hui ?

Plus près de nous et pour évoquer la peinture académique ; celle-ci connut une mise à l'écart d'au moins un siècle, les œuvre ont été décrochées des cimaises des musées, mais comme là il restait une trace tangible, de surcroît populaire, alors elles ont été raccrochées.

Pour l'art contemporain, pour le moins confidentiel et qui repose sur l'immatériel concept et l'éphémère au détriment de la peinture, on peut assurément penser, à plus ou moins long terme, qu'il n'en restera rien ou presque.

Eloge de l'image et de la Figuration

Eloge de l'image et de la Figuration, liens vers les dossiers au format PDF

https://web.archive.org/web/20230607160112/https:/verat.pagesperso-orange.fr/Apologie-de-la-figuration.htm

Eloge de l'image et de la Figuration

Eloge de l'image et de la Figuration, liens vers les dossiers au format PDF

https://web.archive.org/web/20230527050705/http:/marc.verat.pagesperso-orange.fr/Alma-Tadema.htm

Exposition virtuelle

Depuis une cinquantaine d'années en France, l'art dit contemporain est devenu la tendance officielle prônée par un État qui écarte notamment et remarquablement la peinture figurative. Selon l'expression laconique cette orientation peut se résumer à montrer "un art sans art ", une idée, comme souvent, qui vient directement des États-Unis.

Cette exposition de peintures ne peut donc exister que sous forme virtuelle, sur d'improbables cimaises.

 HISTOIRES CHOISIES

1/ L’art de la spéculation

Souvenons-nous de la tulipe

La première bulle spéculative de l’histoire éclate en Hollande, en février 1637 avec une forte spéculation sur les tulipes, au cours de laquelle des bulbes de tulipes s’échangeaient au même prix qu’une maison à Amsterdam.

Le XVIIe siècle marque le « siècle d’or » hollandais. Les Provinces-Unies, autrement dit la Hollande, constitue l’un des États européens les plus modernes, notamment en matière d’art et de culture. Sur le plan économique, la création de la Compagnie des Indes Orientales en 1602 assure le développement des échanges internationaux et du système financier du pays.

Cette domination commerciale permet aux Provinces-Unies de se hisser au rang de première puissance économique mondiale.

Jusqu’en 1634, le marché de la tulipe est semblable à celui du marché de l’art. Un milieu réservé aux plus aisés où le client passe commande à un horticulteur pour faire pousser la variété qu’il désire. La commande est passée à partir de l’automne lorsque les bulbes sont plantés, et les tulipes qui attirent le plus ne sont pas les plus belles mais les plus rares. La demande pour certaines espèces favorise la formation de la bulle spéculative.

À partir de 1635, plusieurs innovations financières accélèrent le développement de ladite bulle. L’innovation la plus importante est l’introduction des billets à effet. Ces derniers précisent les caractéristiques du bulbe et son prix. Ceci permet aux acheteurs de revendre un bulbe encore en terre, en échangeant non plus le bulbe lui-même mais le billet, un papier faisant office de titre.

Les transactions augmentent et il n’est pas rare de voir un billet à effet, changer de mains à de multiples reprises avant la floraison de la tulipe. Les contemporains parlaient d’ailleurs de « windhandel », le commerce du vent.

Plusieurs éléments psychologiques sont avancés pour expliquer les bulles spéculatives. L’un d’entre eux se nomme « The Greater Fool Theory », la théorie du plus grand fou. Selon cette idée, les investisseurs peuvent acheter un titre même s’ils sont persuadés qu’il est surévalué, car ils pensent qu’un autre individu – plus fou encore – sera prompt à le racheter plus cher. Le mécanisme fonctionne et les prix augmentent jusqu’à atteindre « le plus grand fou ». Dès lors, la bulle éclate et plus personne ne se porte acquéreur.

L’éclatement de la bulle

Les sources fournissant l’évolution du prix des tulipes à cette époque sont rares. Le marché n’est pas régulé et il n’y a donc pas de cours officiel.

Il apparaît toutefois qu’en janvier 1637, au sommet de la bulle, une tulipe pouvait valoir jusqu’à 15 années de salaire d’un artisan. Un bulbe de la variété Semper Augustus – la plus recherchée à l’époque – se serait même échangé pour 10 000 florins, soit l’équivalent de deux maisons en ville.

L’éclatement de la bulle, se produit le 3 février 1637.

Le krach sera déclenché notamment par l’absence d’acheteurs lors d’une vente aux enchères dans une taverne d’Haarlem. Cela suffira pour provoquer le retournement du marché ; il ne faut que quelques heures pour que la nouvelle de l’absence d’acheteurs se propage à la ville entière et quelques jours pour que l’information atteigne l’ensemble des Provinces-Unies. Les bulbes de tulipes deviennent alors invendables.

2/ L’art de l’influence

Ingérence américaine dans la culture en Europe

Dès 1946, le ministère des Affaires Étrangères des États-Unis participe au financement de deux grands programmes d'expositions de peintures, vitrine de l'excellence de l'Art américain, amenées à voyager en Amériques du Sud et surtout en Europe.

Afin de promouvoir ladite excellence, le sénateur Fullbright établit parallèlement un programme de bourses qui permet à des milliers d'intellectuels d'effectuer le « Grand tour » américain pour admirer sa richesse culturelle.

Il s'agit par exemple, d'affirmer et d'établir l'émergence d'une nouvelle école spécifiquement américaine : l'Expressionnisme abstrait avec J.Pollock, M.Rothko, A.Gorky... Cette école qui reste une construction étroitement liée au contexte de la guerre froide sera soutenue par des fondations, des musées, des universités.

Le Rockefeller Brother Fund et le Musée d'Art Moderne de New-York ont ainsi largement promu en Europe le Nouvel Art en organisant nombre de publications et expositions.

Cependant et afin d'être totalement crédible pour asseoir la dimension internationale des expositions, quelques artistes européens bénéficieront également du soutien américain.

En 1950, Pierre Soulage figure ainsi dans des expositions collectives à New-York, Londres, São Paulo, Copenhague. Dès le début des années 50, ses toiles commencent à entrer dans les grands musées comme la Phillips Gallery à Washington, le Musée Guggenheim et, bien entendu, le Museum of Modern Art de New-York.

Quelques années après suivra la promotion de l’art conceptuel et minimaliste, donc de l’art dit contemporain.

3/ L’art sans art

Marcel Duchamp, 1887-1968 - Porte-bouteilles 1914 / 1964

Fer galvanisé : 64 cm, Diamètre 42 cm – Achat en 1986 du Centre Pompidou

L'objet original, aujourd'hui disparu, portait une inscription dont l'artiste prétendait ne pas se souvenir, témoin de la désinvolture qui entoure l'élaboration du readymade. Pourtant Duchamp scelle ici le choix d'une esthétique visuelle indifférente, le choix du hasard et de l'importance du n'importe quoi !

En 1914 à Paris, Marcel Duchamp acquiert au Bazar de l’Hôtel de Ville un porte-bouteilles et il écrit à sa sœur Suzanne quelque temps plus tard afin de lui demander d’exécuter sa démarche artistique :

« Prends pour toi ce porte-bouteilles, j’en fais un readymade à distance. Tu inscriras en bas et à l’intérieur du cercle du bas, en petites lettres peintes avec un pinceau à l’huile en couleur blanc d’argent, l’inscription que je vais te donner ci-après et tu signeras de la même écriture comme suit : Le Hérisson d’après Marcel Duchamp ».

Cette lettre montre que Marcel Duchamp souhaite intégrer le porte-bouteilles dans la catégorie des objets qu’il possède déjà, comme une roue de bicyclette sur un tabouret de 1913, mais auxquels il n’a pas encore attribué de statut.

Ce n’est que fin 1915 à New-York, que l'artiste invente et formalise le concept en récupérant un chapeau de cheminée en zinc en l’intitulant « pulled in 4 pins » et en achetant une pelle à neige et en l’intitulant « In advance in the broken arm ».

Ce n’est donc que tout début 1916 que Marcel Duchamp écrit à Suzanne pour qu’elle récupère le « porte-bouteilles » et la « roue de bicyclette » pour les intégrer dans la série des readymade.

Marcel Duchamp explique : « Dans une époque où l’artiste ne peut plus compter sur la qualité et la sincérité de son action pour voir ses productions reconnues, mais dépendre au contraire uniquement du goût du regard trivial des « regardeurs », des normes sociales du bon et du mauvais goût, je décide effectivement d’affirmer mon statut d’artiste en décrétant œuvre d’art un objet quelconque ».

Ces objets-manifestes deviennent une production artistique à la fin des années 1950, lorsque la jeune génération d’artistes américains, au sortir de la seconde guerre mondiale, s’en empare comme médium. Les institutions françaises suivront fidèlement par mimétisme le mouvement.

Blog sur l'art contemporain, les Centre d'art et la critique
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